Leo Lague apresenta um novo corpo de obras desenvolvidas ao longo de dois anos de investigação, em colaboração com pesquisadores, comunidades e artesãos brasileiros. Materiais como seda primitiva, látex natural, folha de ouro e alumínio são deslocados de seus usos habituais, atuando como superfícies sensíveis — respondendo à luz, à temperatura e à proximidade. No conjunto, emerge uma espécie de cosmologia material, onde cada elemento parece operar dentro de um sistema maior, aludindo ao cosmos.

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A instalação em Milão marca o início de um novo ciclo de projetos da VERSA, estruturado em torno da criação de espaços de presença, conexão e expansão da consciência. Ao longo de 2026, essa investigação se desdobra em um calendário de ativações que consolida uma prática voltada à cura criativa. Neste contexto, a VERSA apresenta pela primeira vez no cenário internacional o selo VERSA Vision, uma plataforma de colaborações autorais que une diferentes linguagens e sensibilidades. Pensadas de forma 360, experiências passam a ser dispositivos — físicos, editoriais e sensoriais. Um deles é o Almanac, primeira publicação da VERSA, também lançada no contexto da instalação. Concebido como um objeto colecionável, o projeto reúne criativos da vanguarda global e articula reflexões sobre criatividade e expansão da consciência.

É nesse intervalo — entre forma e instabilidade, entre matéria e percepção — que emerge uma aproximação com aquilo que se entende como sagrado. Não como representação ou símbolo, mas como experiência direta: um estado de presença que se constrói a partir da relação sensível com o espaço, os materiais e o próprio corpo.

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O espaço atua como extensão desse pensamento. A escolha da igreja como locação é deliberada como um lugar de encontro, reflexão e contemplação. O desenho expográfico convoca um redirecionamento da atenção do visitante para dentro do espaço e de si, provocando tanto encontro quanto introspecção. Um plano de LED no centro do espaço emite uma luz pulsante que estabelece ritmo e modulação. Ancorada na lógica do respiro, a tela instaura uma estrutura temporal e convida o corpo a se integrar ao espaço. No conjunto, a trilha sonora contínua estabelece a frequência base que organiza a experiência.

A VERSA é uma organização híbrida brasileira de arquitetos, curadores e designers, guiada por uma visão interconectada. Como eixo orientador, explora o conceito de places for creative healing, buscando conexões que expandem a consciência e criatividade a partir de experiências, consultorias, publicações e projetos especiais.

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A VERSA surgiu em 2019 como um laboratório experimental no underground criativo de São Paulo. Em 2022, expandiu para projetos de marca em todo o Brasil e, em 2024, para o cenário global. Hoje realiza projetos proprietários anuais em São Paulo e durante a Milan Design Week, além de colaborações ao redor do mundo. Seu ateliê recebe colaboradores e clientes e fica no ponto de encontro entre a Mata Atlântica e o oceano, no litoral norte de São Paulo.

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A expressão viva do trabalho da VERSA é sua plataforma 360, que reúne design, música, arte e conhecimento em uma experiência editorial multissensorial que reúne a vanguarda criativa brasileira para reflexão, celebração e transformação. Em 2025, aconteceu no Pavilhão da Bienal de São Paulo, reunindo 118 criativos e 11 marcas patrocinadoras, incluindo alguns dos nomes mais influentes do setor.

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A colaboração é um dos princípios fundamentais da organização, que acredita no encontro de criativos como chave para criações autênticas e expansivas, frequentemente propondo projetos que se desdobram a partir dessa premissa. Esse é o caso da proposta para Milão em 2026, momento para o qual a VERSA assina também a curadoria de colaborações expandidas.

Construída com uma base geométrica em forma de caixa, feita de alumínio com acabamento fosco. O assento e o encosto contínuos são revestidos por uma textura felpuda de pelos longos, produzida com seda primitiva brasileira em tom bege natural.

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A seda é obtida por meio de um processo não industrializado em que os casulos são coletados sem interromper o ciclo de vida do inseto, resultando em fios irregulares e descontínuos. Esse método produz um material que resiste à padronização, variando em densidade, resistência e aparência. No projeto, a seda é aplicada sem tensão rígida, permitindo que suas propriedades físicas — peso, flexibilidade e resposta à gravidade — permaneçam ativas tanto no desenho quanto no conceito.

Volumes arredondados e contínuos emergem de um núcleo sólido, posteriormente revestidos por camadas de espuma e fibra de vidro e integralmente recobertos por folha de ouro aplicada manualmente.

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Entre a densidade e a suspensão, as peças operam em uma ambiguidade constante: parecem leves, mas afirmam seu peso; parecem preciosas, mas recusam o polimento absoluto. Perfeitas em sua imperfeição, elas soam como relíquias forjadas à mão em uma era distante — amuletos silenciosos, suspensos no tempo, habitando o espaço entre o mineral primitivo e o sagrado.

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O ouro é aplicado por especialistas em restauração de iconografia religiosa. O desenho reflete sobre a tensão entre valor e materialidade, subvertendo a percepção tradicional do ouro ao alterar sua superfície — desgastando-a, desestabilizando sua perfeição e transformando-a em algo mais bruto e menos familiar.

Definida por extrusões que se organizam em um ritmo contínuo e silencioso, a peça articula uma geometria que parece a materialização de um eco ancestral.

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Em vez de superfícies estéreis, ela nasce do acúmulo: camadas sucessivas de massa e veladuras escuras repousam sobre a matéria como poeira sobre um mito. O acabamento não é um véu final, mas a própria memória do gesto — um registro táctil de tempo e repetição. A superfície escurecida, rica em espessuras e variações orgânicas, transforma o cálculo exato da forma em uma aparição. A peça se posiciona como um vestígio adormecido, onde a estrutura lógica e a melancolia de uma fábula antiga se encontram.

Uma luminária de piso vertical com cúpula alongada e elíptica, construída a partir de uma estrutura de aço em grelha, envolvida por uma tapeçaria translúcida de látex em tom amarelo-pálido.

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O látex utilizado deriva da seringueira (Hevea brasiliensis) e é extraído manualmente por comunidades da Amazônia através de práticas que preservam tanto a árvore quanto o ecossistema ao redor. A abordagem de Leo se relaciona com esse material a partir da colaboração com comunidades locais, deslocando a narrativa da extração para a reciprocidade. A combinação entre o látex orgânico e a precisão geométrica das estruturas metálicas cria um diálogo entre passado e presente, natureza e intervenção.

Leo Lague apresenta um novo corpo de obras desenvolvidas ao longo de dois anos de investigação, em colaboração com pesquisadores, comunidades e artesãos brasileiros. Materiais como seda primitiva, látex natural, folha de ouro e alumínio são deslocados de seus usos habituais, atuando como superfícies sensíveis — respondendo à luz, à temperatura e à proximidade. No conjunto, emerge uma espécie de cosmologia material, onde cada elemento parece operar dentro de um sistema maior, aludindo ao cosmos.

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A instalação em Milão marca o início de um novo ciclo de projetos da VERSA, estruturado em torno da criação de espaços de presença, conexão e expansão da consciência. Ao longo de 2026, essa investigação se desdobra em um calendário de ativações que consolida uma prática voltada à cura criativa. Neste contexto, a VERSA apresenta pela primeira vez no cenário internacional o selo VERSA Vision, uma plataforma de colaborações autorais que une diferentes linguagens e sensibilidades. Pensadas de forma 360, experiências passam a ser dispositivos — físicos, editoriais e sensoriais. Um deles é o Almanac, primeira publicação da VERSA, também lançada no contexto da instalação. Concebido como um objeto colecionável, o projeto reúne criativos da vanguarda global e articula reflexões sobre criatividade e expansão da consciência.

É nesse intervalo — entre forma e instabilidade, entre matéria e percepção — que emerge uma aproximação com aquilo que se entende como sagrado. Não como representação ou símbolo, mas como experiência direta: um estado de presença que se constrói a partir da relação sensível com o espaço, os materiais e o próprio corpo.

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O espaço atua como extensão desse pensamento. A escolha da igreja como locação é deliberada como um lugar de encontro, reflexão e contemplação. O desenho expográfico convoca um redirecionamento da atenção do visitante para dentro do espaço e de si, provocando tanto encontro quanto introspecção. Um plano de LED no centro do espaço emite uma luz pulsante que estabelece ritmo e modulação. Ancorada na lógica do respiro, a tela instaura uma estrutura temporal e convida o corpo a se integrar ao espaço. No conjunto, a trilha sonora contínua estabelece a frequência base que organiza a experiência.

A VERSA é uma organização híbrida brasileira de arquitetos, curadores e designers, guiada por uma visão interconectada. Como eixo orientador, explora o conceito de places for creative healing, buscando conexões que expandem a consciência e criatividade a partir de experiências, consultorias, publicações e projetos especiais.

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A VERSA surgiu em 2019 como um laboratório experimental no underground criativo de São Paulo. Em 2022, expandiu para projetos de marca em todo o Brasil e, em 2024, para o cenário global. Hoje realiza projetos proprietários anuais em São Paulo e durante a Milan Design Week, além de colaborações ao redor do mundo. Seu ateliê recebe colaboradores e clientes e fica no ponto de encontro entre a Mata Atlântica e o oceano, no litoral norte de São Paulo.

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A expressão viva do trabalho da VERSA é sua plataforma 360, que reúne design, música, arte e conhecimento em uma experiência editorial multissensorial que reúne a vanguarda criativa brasileira para reflexão, celebração e transformação. Em 2025, aconteceu no Pavilhão da Bienal de São Paulo, reunindo 118 criativos e 11 marcas patrocinadoras, incluindo alguns dos nomes mais influentes do setor.

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A colaboração é um dos princípios fundamentais da organização, que acredita no encontro de criativos como chave para criações autênticas e expansivas, frequentemente propondo projetos que se desdobram a partir dessa premissa. Esse é o caso da proposta para Milão em 2026, momento para o qual a VERSA assina também a curadoria de colaborações expandidas.

Construída com uma base geométrica em forma de caixa, feita de alumínio com acabamento fosco. O assento e o encosto contínuos são revestidos por uma textura felpuda de pelos longos, produzida com seda primitiva brasileira em tom bege natural.

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A seda é obtida por meio de um processo não industrializado em que os casulos são coletados sem interromper o ciclo de vida do inseto, resultando em fios irregulares e descontínuos. Esse método produz um material que resiste à padronização, variando em densidade, resistência e aparência. No projeto, a seda é aplicada sem tensão rígida, permitindo que suas propriedades físicas — peso, flexibilidade e resposta à gravidade — permaneçam ativas tanto no desenho quanto no conceito.

Volumes arredondados e contínuos emergem de um núcleo sólido, posteriormente revestidos por camadas de espuma e fibra de vidro e integralmente recobertos por folha de ouro aplicada manualmente.

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Entre a densidade e a suspensão, as peças operam em uma ambiguidade constante: parecem leves, mas afirmam seu peso; parecem preciosas, mas recusam o polimento absoluto. Perfeitas em sua imperfeição, elas soam como relíquias forjadas à mão em uma era distante — amuletos silenciosos, suspensos no tempo, habitando o espaço entre o mineral primitivo e o sagrado.

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O ouro é aplicado por especialistas em restauração de iconografia religiosa. O desenho reflete sobre a tensão entre valor e materialidade, subvertendo a percepção tradicional do ouro ao alterar sua superfície — desgastando-a, desestabilizando sua perfeição e transformando-a em algo mais bruto e menos familiar.

Definida por extrusões que se organizam em um ritmo contínuo e silencioso, a peça articula uma geometria que parece a materialização de um eco ancestral.

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Em vez de superfícies estéreis, ela nasce do acúmulo: camadas sucessivas de massa e veladuras escuras repousam sobre a matéria como poeira sobre um mito. O acabamento não é um véu final, mas a própria memória do gesto — um registro táctil de tempo e repetição. A superfície escurecida, rica em espessuras e variações orgânicas, transforma o cálculo exato da forma em uma aparição. A peça se posiciona como um vestígio adormecido, onde a estrutura lógica e a melancolia de uma fábula antiga se encontram.

Uma luminária de piso vertical com cúpula alongada e elíptica, construída a partir de uma estrutura de aço em grelha, envolvida por uma tapeçaria translúcida de látex em tom amarelo-pálido.

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O látex utilizado deriva da seringueira (Hevea brasiliensis) e é extraído manualmente por comunidades da Amazônia através de práticas que preservam tanto a árvore quanto o ecossistema ao redor. A abordagem de Leo se relaciona com esse material a partir da colaboração com comunidades locais, deslocando a narrativa da extração para a reciprocidade. A combinação entre o látex orgânico e a precisão geométrica das estruturas metálicas cria um diálogo entre passado e presente, natureza e intervenção.